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Los Laboratorios Artísticos de Creación tienen como objetivo principal promover la investigación en el ámbito de las Artes Escénicas dentro de las salas de LAVAPIÉS BARRIO DE TEATROS. Trabajos que  sólo son  posibles en el  circuito alternativo generando propuestas diferentes a lo institucional y al circuito comercial, promoviendo procesos artísticos arriesgados que necesitan un tiempo y unas condiciones de creación específicas y en los que la experimentación se convierte en la principal vía de trabajo. Además de provocar la reflexión sobre la sociedad actual y los problemas que afectan a los ciudadanos a través del teatro.

Los artistas trabajan sobre una línea temática basada en la crisis de valores que afecta a la sociedad actual y en cómo se refleja este problema en la creación escénica del momento. Los Laboratorios de estrenarán en las salas donde se han gestado permaneciendo programadas durante varios meses.

SALAS QUE PARTICIPAN EN LA CREACIÓN DE LOS LABORATORIOS 

08

Mínima Espacio Escénico

14

El Umbral de Primavera

off-la-latina

Off de la Latina

01

La Puerta Estrecha

jacobo

La Escalera de Jacob

07

Nuevo Teatro Fronterizo

CLUB PRIVADO ESCENA. Mínima Espacio Escénico

Dramaturgia y dirección: Rolando San Martín

Elenco: David Fernández Kelly, Anabel Maurín, Óscar Pastor y  Noemí Rodríguez

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La realidad actual nos somete a la venta continua de nuestra imagen en un sistema de mercado corrupto y prostituido, una exposición constante donde la humillación se ha convertido en algo habitual y consciente, asumida como forma de valoración y aceptada para la propia supervivencia.

CLUB PRIVADO ESCENA surge de la idea de sumisión dentro del mercado actoral, la necesidad da paso a la prostitución, violando la dignidad del individuo y asumiéndola como parte del juego. Arrancamos con esta idea de prostitución actoral, donde la desnudez del actor no es más que la del individuo expuesto a peticiones y valoraciones como cualquier prostituta en un club cualquiera. Una vez que se ha perdido la dignidad, ya no se tiene nada que perder, de esta manera re-significamos esta pérdida como un lugar o estado de potencia donde la posibilidad de ser absolutamente nada y patético se restituye como una forma de subversión y resistencia. Ya no hay nada que defender ni de que defenderse, ninguna imagen de nosotros mismos que debamos cuidar, y así, se abre un campo de lucha en los límites que impone la supuesta libertad de expresión.

Los actores de CLUB PRIVADO ESCENA adolecen, sin saberlo, la pérdida del sentido de por qué  hacer teatro, perdieron la fe en el compromiso que supone ser artistas para una comunidad. Ya no saben cómo afectar, como hacer valer su  arte en  un  mundo donde el  relato está   secuestrado por los medios hegemónicos de la comunicación. Ha perdido sentido la subjetividad que genera relato y reacciona ante los sucesos importantes de la vida.

El actor ya no es el medio por el cual relatar, traer mundos de otros mundos a este, dar a conocer los misterios insondables de la vida, el actor ha dejado de ser un sujeto político y comprometido con su historia presente, para someterse a ser un mero producto que consume su propia existencia.

CLUB PRIVADO ESCENA es un lugar donde se ha convocado a un grupo de actores para exprimir y explotar su realidad, donde su exhibición se convierte en una entrega abnegada, donde el abandono hasta perder la dignidad puede ser su revolución y la vergüenza ajena del espectador su poder. Un insulto convertido en fuerza.

El texto a trabajar parte de poesías de Fredeswinda Gijón, de estos poemas se recogen versos que hacen referencia a la sumisión y verguenza como estados universales, siguiendo un discurso revolucionario por parte de Rolando San Martín, conductor y director de la propuesta, a ellos se suman textos creados a partir de ejercicios e improvisaciones donde se trabaja la desnudez del actor como individuo, ahondando en sus propias vidas y la evolución de sus actitudes ante la humillación y perdida de la dignidad.

Este laboratorio surge en noviembre de este mismo año en MINIMA espacio escénico no convencional, con un trabajo de investigación y experimentación que tiene previsto desarrollarse en los próximos meses para presentarse y mostrar al público en marzo.

Textos: Rolando San Martín y Fredeswinda Gijón


R III de William Shakespeare. El Umbral de Primavera

Dirigido por Xavier Ariza

Elenco: Luis Heras, Marianela Pensado, Alfredo Noval, Santi T. Grech, José Fernández Valencia, Sergio Baños, Mikel Aróstegui

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Ricardo nace en Inglaterra en 1452 y muere en la batalla de Bosworth en 1485. Tiene 33 años cuando una espada le parte la cabeza, pero ha dejado tras de sí  una estela sangrienta de asesinatos, venganza y crímenes de Estado. Y con su muerte, nace la leyenda: “La tragedia del Rey Ricardo III, donde se contienen sus traicioneras intrigas contra su hermano Clarence, la lamentable muerte de sus inocentes sobrinos; su tiránica usurpación, con todo el curso de su detestable vida y más merecida muerte. Según ha sido representada recientemente por los servidores del muy honorable Lord Chambelán”.

A la muerte de Ricardo III y de la mano de William Shakespeare se construye el mito histórico, la leyenda negra y se falsifica la biografía del rey Ricardo, para adecuarla a las nuevas necesidades de la monarquía Tudor. El escritor inglés toma partido por sus nuevos reyes, y sabe al lado de quién debe ponerse. ¡Ni quito ni pongo rey, pero ayudo a mi Señor!, parece decir Shakespeare, cuando en la construcción dramática de Ricardo, soslaya aquello que podría iluminar la vida de Ricardo Gloucester, y mostrarlo ante el público que asistía a los teatros, como una pieza más de la sangrienta maquinaria del poder político tardofeudal y no como un asesino frío y despiadado, ambicioso, cruel y sin conciencia.

Ricardo forma parte de una clase social que se reconoce en el espejo de su tiempo, en la que la ambición por extender sus propiedades y controlar a la pequeña nobleza, someter a los campesinos y doblegar la voluntad de la jerarquía eclesiástica formaran el eje mental de su tradición política. Ricardo no es un monstruo, no es un hombre inusual, no es un producto defectuoso de un tiempo y de un lugar. Es un noble que aprovecha los resquicios, que fuerza la maquinaria de la legalidad, que exprime el derecho y sus sinuosidades para coronarse rey. Tal vez, porque fuera de la ley que persigue domesticar, solo queda el vacío, la guerra civil y el ocaso de la casa de York.

¿Por qué RIII?

Cuando nos enfrentamos al texto de Shakespeare, la historía deja de interesarnos y nos ocupa la verdad escénica, lo qué pasa y sucede en las tablas del teatro. Nuestra voluntad no es corregir la leyenda negra, ni humanizar al jabalí.

Perseguimos a Ricardo por los campos de batalla, escuchamos sus confesiones, atendemos a sus conversaciones, nos detenemos en sus reflexiones, tenemos cuidado en no dejarnos atrapar por su cháchara de bufón y por sus mentiras, esquivamos sus lanzadas y sus golpes de espada, nos escondemos de sus golpes de ira, y disfrutamos con su negro sentido del humor.

Ricardo es un bufón. Tal vez, uno de los primeros bufones que ha tenido el teatro moderno. Y él lo sabe. Y nos hace partícipes de su sentido negro de la vida, de su melancolía, de su bilis. Y nos despacha su terrible sentido de la Historia. Aquí es dónde entramos nosotros: Los comediantes, los actores, los mendigos, y establecemos un pacto civil con el espectador.

Os contaremos lo que sabemos, aquello que Ricardo ha decidido contarnos. Ni más ni menos.

Pero la envoltura, la presencia dramática de Ricardo es poderosa. Como son sangrientos sus crímenes, sus fechorías y sus intrigas. Ricardo no recula, no cede, no pacta. Como no debe hacerlo el comediante. Hasta la última gota debe apurarse el cáliz de la ficción: Todo es tan de mentira, que puede resultar ser cierto. Cortinas viejas, tablas ajadas, trajes con lamparones, máscaras de cartón y hombres que relinchan como caballos.

Todo es Ricardo. Porque Ricardo es el centro del universo y es el propio universo. Y todo lo empaña y todo lo emponzoña. ¡Sé fuerte, Ricardo, resiste! Y sus palabras, sus versos manchan de luz de presente nuestras acciones en el escenario. Nunca estuvo Ricardo tan cerca de nosotros como ahora, cuando lo perseguimos de la alcoba a la batalla.

Ricardo es nosotros. Todos somos Ricardo. Todos estamos en peligro. Nadie está seguro. Nadie.

Escenografía/Vestuario: Antonio Jiménez | Iluminación: Álvaro Lenóiz | Máscaras: Sergio Baños | Coaching Vocal: Oier Madariaga | Cartel: Antonio Gómez | Fotografía: Blubalum Films | Dramaturgia/Dirección: Xavier Ariza


ALBRICIAS y MELOCOTONES. Off de la Latina

Dirigido por Tete Cobo

Elenco: Patricia Domínguez del Pino, Victoria Peinado Vergara

albricias

Off de la Latina tras anunciar el pasado mes  de Noviembre de 2015 la búsqueda de proyectos teatrales  de investigación para coproducirlos junto con el respaldo de la Red de Teatros de Lavapiés ha  decido  seleccionar la propuesta de la compañía TurliTava Teatro.

Albricias es un proyecto escénico cuya  línea de investigación se centra en el humor absurdo como base  que sustenta temas tan dispares y, al mismo tiempo, tan gemelos, como la cosificación de la mujer, el utilitarismo, la publicidad engañosa, el mercado, la soledad, la imaginación o la libertad.

Tete  Cobo es el encargado de dirigir y ensamblar este experimento teatral en el que participan Patricia Domínguez del Pino  y Victoria Peinado Vergara como intérpretes.

Un proceso de investigación que nace  sin límites formales y que desea que lo políticamente correcto se quede fuera de esta experiencia. Hacer de la locura nuestra bandera. La línea de investigación de esta propuesta se basa en la relación de los actores con el público desde un nuevo prisma: incluirlos e implicarlos en la acción,  y si es posible, en el espacio. Comunicarse de forma más  estrecha entre espectadores y público para vencer de esta forma el inmovilismo y destronar la unidireccionalidad tradicional.

Partimos de la realidad y rompemos con ella  dentro del mismo espacio y en el mismo tiempo. Lo público y lo privado, lo que somos,  lo que nos gustaría ser  y lo que nos vemos obligados a fingir que somos.  Sin filtros, con descaro y de la forma más  canalla que sabemos, relatamos el manejo de nuestras vidas a través del sistema productivo y en contrapunto desde la explosión de nuestra fantasía e imaginación.

No nos privamos de nada, las referencias son eclécticas y marcianas, de aquí y de allí, del grunge al verso  de Lope de Vega,  de Azúcar Moreno a la música barroca, de Mazinger Z a la danza contemporánea. Es así.

TurliTava Teatro se funda  en 2010, estrenan en 2011 Los vivos y los m(ío)s, mejor espectáculo para el público de el periódico EL PAÍS. En 2012 es seleccionada para participar en el primer Festival Fringe en España, con (In)sumisos, coproducción  con Cría Cuervos. En 2013 estrenan (Des)perfectos, que gira por varias salas, en este mismo año se presenta Marx en Lavapiés, con gran  acogida  de crítica y público, al igual que CAMILLE (ahora en esta sala  Off de Latina), que se estrena en 2014. Ese mismo año se estrena Contelazión en el Festival Surge  Madrid.


LA TEMPESTAD de WILLIAM SHAKESPEARE. La Puerta Estrecha

Dirigido por Cesar Barló

Elenco: Sayo Almeida, Miriam Cano, Roberto González, Pablo Huetos, Emilio Lorente, Rafa Núñez, José Gonçalo Pais, Javi Rodenas, Eva Varela Lasheras

Tempestad

La Tempestad, de William Shakespeare, es uno de esos textos que detienen tu respiración al escucharlos, te inspiran motivación para embarcarte en un proyecto y, sobre todo, inspiran respeto.

La que se cree última obra del autor inglés (1611) es una pieza absolutamente redonda, representada a lo largo y ancho del globo –especialmente en los últimos tiempos– cuando, felizmente, ha conseguido liberarse de esa consideración como “poco representable” que le había acompañado durante décadas.

El mundo de Shakespeare se nutre de la metáfora, el símbolo y las imágenes para dar como resultado piezas que, al tiempo que son familiares, resultan extrañas y sorprendentes. Nos aborda desde un barco naufragado para presentarnos hacernos conocer personajes mitológicos, espíritus del aire, personajes del mundo antiguo… todos ellos conformando un caleidoscopio de la condición humana.

La de Próspero es la historia de una venganza en pos de la justicia que se transforma en la historia de un

conocimiento interior y el perdón al prójimo. No obstante, Shakespeare no se centra solamente en la figura de Próspero, sino que confecciona una pieza totalmente equilibrada gracias a la intervención de todos los personajes. El Bardo urde una red de conflictos que, pese a tener como epicentro a Próspero, se desarrollan por sí mismos hasta el desenlace polarizado, de nuevo, en torno a la figura del antiguo Duque de Milán. Todos y cada uno de los personajes principales son imprescindibles para el desarrollo de la acción, si bien ninguno es el detonante del conflicto –puesto que la pieza comienza in medias res– y todos ellos contribuyen fundamentalmente para que la acción avance hacia su desenlace.

Shakespeare crea seres humanos a través de sus personajes. A partir de esa imagen tan barroca como es la del espejo y haciendo gala de su célebre: “El mundo entero es un teatro”, el dramaturgo crea un “dramaturgo” o “demiurgo” que nos guía a través de las pulsiones, ambiciones, debilidades y el horror del que el Hombre puede ser capaz, Próspero.

En cuanto a la visión dramatúrgica, en tiempos tan duros como los que nos ha tocado vivir –y muy sensiblemente en nuestra profesión–, es justo en este momento en el que creemos que lo más revelador e, incluso, transgresor reside en el intento de levantar este tótem interviniendo lo mínimo en el texto. Hay tantas capas y tantos matices en La Tempestad que podría ser temerario comenzar a meter tijera y suprimir parte de la potencia y la magia que tiene el texto ya en sí.

En La Tempestad, la propuesta se basará en la idea de El viaje. Por un lado el viaje de los de los personajes, un viaje a través de la isla, sí, pero también un viaje al interior de los caracteres. Y, por otro, el viaje del espectador, porque la experiencia que viva el espectador debe ser un viaje también.

Para crear La Tempestad necesitamos una isla deshabitada. La idea de cómo se ha desterrado al Teatro a un lugar menor del ocio general, lejos del prestigio que pudo tener en otras épocas, me lleva a pensar en el paralelismo el destierro de Próspero y con esa búsqueda del Duque de Milán por devolver como legado a Miranda lo que a él le pertenece por derecho. Y esto puede convertirse en un pretexto genial como material de construcción para que, mediante nuestra propuesta, intentemos devolver al espectador la esencia de la experiencia teatral y devolver al teatro su condición de comunión, rito y ceremonia del teatro que siempre le perteneció. Puede parecer un empeño pretencioso pero no creo que sea así; pienso que es un motor de creación muy inspirador y, sin duda, el más honesto cuando se afronta uno de los textos cumbres de la dramaturgia universal.

Hagamos, pues, del mundo un teatro y de nuestro teatro el mundo/universo de La Tempestad.

Diseño de Iluminación: César Barló | Diseño de Escenografía: Jacobo G. Fouz – Rosa Mª Sánchez | Diseño de Vestuario: Karmen Abarca | Coreografía y asist. de Movimiento: Mamen Agüera | Música Original: Lisi Búa | Espacio Sonoro: Lisi Búa y José G. Pais | Asist. Vocal (Canciones): María Herrero | Fotografía: Bruno Rascão – Helena De Llanos | Diseño Gráfico: José G. País | Producción Ejecutiva y Distribución: Selma Al-Hamouti


LA REBELIÓN DE LAS HORMIGAS. La Escalera de Jacob

Dirigido por Eva Redondo

Elenco: Gabriel Ignacio, Ramiro Melgar

Hormigas

Sinopsis

Es sábado. Antonio y Juan se han encadenado a la mesa de dirección de su empresa. Los despidos son inminentes. Quieren luchar. Quieren que se les readmita. En las calles, una multitudinaria manifestación protesta contra las nuevas medidas del gobierno.

Ellos, sin embargo, han decidido librar la batalla por su cuenta. Tienen un plan. Un plan que implica una privación física.

Poco a poco se convierten en víctimas de su propósito. Y lo peor de todo es que no hay nadie cerca para salvarles. Tan solo una cámara de seguridad.

El punto de partida. Hormigas Vs hombres

Las hormigas son insectos sociales que pueden ocupar grandes territorios. Sus colonias están formadas por millones de individuos. Tras miles y miles de años de evolución han aprendido una valiosa lección. Su supervivencia depende de la cooperación.

Juan: Las hormigas, fíjate, las hormigas sí que son listas. ¿Tú sabías que…? Tienen una reina. Grande. Grandísima. Nacen varias. Pero no se hacen reinas porque sí. Son las otras hormigas, las obreras, las que la eligen. ¿Qué te parece? Las chicas, las obreras, eligen a su reina y se comen a las otras. Las pequeñas se comen a las grandes.

El ser humano es un animal social. Sus colonias están formadas por millones de personas. Tras miles y miles de años de evolución ha desaprendido una valiosa lección. Frente a la cooperación, el ser humano se ha convertido en un sujeto peligrosamente individualista.

Antonio: Tengo muchos gastos. Necesito el dinero de las extras.

Juan: No creo que a los del sindicato les guste que hagas horas. Estás quitando puestos de trabajo.

Antonio: Vengo a hacer horas porque… Pero… Pero ¿qué?… ¡No me vengas tú a dar lecciones! Todos los del sindicato hacen horas. ¿Qué sabrás tú? No es lo mismo que lo de tu padre. ¿Por qué me dijiste que antes era pescador y que ahora es pescatero? ¡No es lo mismo! Tú me has mentido. Yo te he ocultado. No es lo mismo.

Rebelión Vs indefensión adquirida

La rebelión, la rebeldía surge de un deseo de cambio. En la sociedad actual, ese deseo está muy presente, hay un espíritu rebelde, una especie de conciencia colectiva que anhela una transformación. Sin embargo, el cambio da vértigo, no sabemos por dónde empezar, no sabemos cómo llevar a cabo ese cambio. De alguna manera parece que nos hemos sumergido en un estado docilidad permanente. ¿Cómo hemos llegado hasta aquí?

Margaret Tatcher hizo célebre una frase que se ha convertido en lema del Neoliberalismo: There is no alternative. Es un mensaje oficial, un mensaje mediático que se nos repite cada día: no hay más remedio, no estamos en el mejor momento, no nos queda otra, este año no va a ser bueno, no hay presupuesto para eso, no podemos despilfarrar, las subvenciones no son viables hoy en día… No, no, no. En definitiva, no hay alternativa.

Este discurso infunde desesperanza y pesimismo en la población que en cierta manera percibe que, en efecto, no puede hacer nada para mejorar la situación. El síndrome de indefensión adquirida, también denominado pereza aprendida, se refiere a ese estado de pasividad al que el ser humano puede verse abocado cuando se convence de que sus actos no producen los resultados esperados.

Pero Juan y Antonio, los personajes en rebelión, parecen no aceptar su destino. Los despidos en su empresa son inminentes. Tanto que ya se hecho público el listado con los nombres. Ellos no van a quedarse de brazos cruzados. Han decidido luchar. Han decidido resistir. Han decidido encadenarse a la mesa de dirección. Pero hay un problema: lo han hecho solos, se han separado del resto de sus compañeros para luchar por su cuenta. Han perdido su conciencia de colectivo.

Poco a poco sus esperanzas se apagan, sus ilusiones se truncan, su futuro se ennegrece. Juan y Antonio, Antonio y Juan, terminan por adquirir esa indefensión fatal que les conducirá hacia un trágico final. Juan y Antonio no encuentran alternativa.

Juan: ¿Y ahora qué hacemos?

Antonio: Nada.

Juan: ¿Cómo que nada? Algo habrá que hacer. ¿Qué hacemos ahora?

Antonio: Ya te lo he dicho: na-da.

Juan: ¿Nada? (Pausa) Tengo hambre.

Antonio: No lo pienses.

Juan: No puedo, tengo hambre.

Antonio: Si no lo piensas se pasa, hazme caso.

La temática

A lo largo del texto se pretende reflexionar sobre las siguientes cuestiones:

– La individualización y la desunión. Juan y Antonio se han unido en su lucha; sin embargo, actúan por su cuenta. El mismo día en el que ellos han decidido encadenarse a la mesa se está celebrando una manifestación multitudinaria en contra de los despidos. Pero ellos no han asistido. Ellos prefieren luchar por lo suyo. Una decisión que les conduce al fracaso.

– La corrupción que confiere el poder. Las llaves que abren las cadenas que Juan y Antonio se han colocado representan un elemento de poder que genera conflicto, chantajes, desencuentros. En ocasiones, cuando uno de los personajes se sabe poseedor de las llaves se convierte en un tirano y su comportamiento cambia radicalmente.

– La desidia como anestesia social. Los “rebeldes” personajes abandonan su objetivo y se vuelven perezosos y pesimistas.

– La manipulación mediática y el show de la comunicación. El final de los personajes no es contado por ellos mismos. El receptor se hace cargo de lo sucedido a través de una serie de voces en off, voces que representan a numerosos medios de comunicación, voces que priman la “espectacularidad”, lo “escabroso”, lo “morboso”.

La investigación

¿Cómo defender un texto cuando uno tiene limitado el movimiento? ¿Qué acciones significativas pueden contemplarse en la puesta en escena teniendo en cuenta que los personajes están encadenados? ¿Cómo llenar de intencionalidad la palabra pero también el silencio? Sin duda, la constricción corporal, el encadenamiento físico de los actores es un gran reto para la puesta en escena.

¿Qué información posee el espectador y cómo se le va administrando? Éste ha sido un punto clave en la dramaturgia que propone una progresividad cognoscitiva. El punto de vista del espectador se ha fijado en esa dosificación de la información que se le va revelando a cada momento, de manera que su implicación será activa en la medida en la que se le permite barajar hipótesis, generar expectativas, anticipar acontecimientos, etc.

¿Se puede cambiar el punto de vista del espectador en el teatro? ¿Cómo podemos distanciarnos del “aquí y ahora” sin recurrir a la tecnología de los proyectores? El objetivo es provocar rupturas temporales y espaciales durante la puesta en escena. En ocasiones estamos ahí, compartiendo espacio y tiempo con los actores pero en otras, lo que vemos no forma parte del aquí y del ahora sino que se trata del material recogido por las cámaras de seguridad del edifico. ¿Cómo conseguir este cambio? Sin duda, será otro de los grandes retos a investigar.

Juan: ¿Has visto una peli…? No me acuerdo del título.

Antonio: ¿Cuál?

Juan: Una de dos mujeres, con pañuelos en la cabeza, en un coche.

Antonio: No caigo.

Juan: Se tiran por un precipicio. Con el coche.

Antonio: Ah, ya sé cuál dices.

Pausa.

Antonio: ¿Quieres que nos suicidemos?

Juan: No.

Antonio: Saldríamos en los medios.

Juan: En todos.

Antonio: ¡Seríamos héroes!

Pausa.

Juan: Las hormigas son muy listas.

Antonio: ¿Tú crees?

Juan: Sí.

Antonio: ¿Por qué?

Juan: Porque tienen varias reinas pero sólo se quedan con una.

Antonio: A las otras las matan.

Juan: Sí.

Pausa.

Antonio: ¿Quieres que matemos a Ramiro?

Juan: No, hombre, no.

Antonio: Parece que quisieras decir eso.

Juan: Que no, que no, que yo lo quiero decir es…

Antonio: Que son más listas.

Juan: Que yo no sé mandar.

Antonio: Y la reina sí.

Juan: Y la reina sí.

Antonio: Porque nace para mandar.

Juan: No, no es por eso. Son las otras, ¿te acuerdas? Nacen muchas para mandar. Pero las otras, las pequeñas…

Antonio: No sé qué me quieres decir.

Juan: Las hormigas se cargan a las reinas que no saben mandar.

Antonio: ¿Quieres que te mate?

Juan: No, ¿tú?

Antonio: No.


NUEVO TEATRO FRONTERIZO

INVESTRO

(Grupo residente del Nuevo Teatro Fronterizo)

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SINOPSIS Y CRONOGRAMA:

Investro somos un grupo de investigación plástica y escénica multidisciplinar cuyo principal objetivo es mantener vivo un espacio propio para el pensamiento y la investigación. Convocamos a profesionales de diferentes disciplinas artísticas (actores, escritores, artistas plásticos, bailarines, músicos y compositores) para  investigar juntos un modo  de dramaturgia que parte esencialmente de los elementos plásticos (no vivos) que conforman las artes vivas y espectaculares.

De cara al curso 2016 y a nuestra participación como grupo residente del Nuevo Teatro Fronterizo en el proyecto Laboratorios de la Red organizado por Lavapiés Barrio de Teatros, nuestro objetivo es el montaje de un texto teatral manteniendo las líneas de investigación que ya caracterizan la naturaleza de nuestra poética:

– Un discurso plástico que acompañe, rija y resignifique el discurso teatral. Dicho de otro modo; que la experiencia estética sea también una experiencia existencial, cognoscitiva (en cuanto a los mecanismos relacionados con la creación de conocimiento), que modifique la acción y la percepción.

 – Un equipo multidisciplinar que reúne a personas provenientes de distintas áreas del pensamiento (filología, filosofía, artes plásticas, escenografía, danza, música… etc) con el objetivo de generar una mayor complejidad en la construcción dramática poniendo en fricción lenguajes, formas y técnicas.

El cronograma planteado para el desarrollo de nuestro laboratorio es el siguiente:

– Enero 2016: inicio del laboratorio (dos sesiones semanales al mes)

– Marzo (semana del teatro): primera muestra de la pieza en proceso.

– Junio-Julio: festival de investigación en el barrio. Muestra de la pieza acabada.

EQUIPO

Elenco: Jesús Barranco, Raúl Marcos, Eli Zapata, Yuval Brodsky, Oche Zamora, Blanca Paloma, Delia Ruiz Pacas, Enrique Lamas, Claudio Sierra, Macarena Losada, Santiago Ortíz, Andrea Díaz Reboredo.

 

COLABORATORIO

(Grupo estable de investigación teatral)

A partir de un Taller organizado en colaboración con la UNIÓN DE ACTORES en abril de 2011 (“Menos sentir y más pensar”), J. S. S. desarrolla con un grupo estable de actores y actrices su proceso de investigación sobre la Dramaturgia Actoral, un fértil territorio que induce a replantearse algunos de los fundamentos del trabajo de interpretación, desde las perspectivas abiertas por los nuevos retos de la textualidad contemporánea. Y que reclama también un tipo de escritura dramática abierto a la creatividad del actor, destino ineludible de toda dramaturgia.

Más indagatoria que didáctica, más experimental que metódica, la Dramaturgia Actoral se desarrolla como un trayecto zigzagueante articulado por una extensa -y creciente- serie de ejercicios de improvisación que, paradójicamente, restringen la libertad de los actores para ensanchar su imaginación creadora. Cuestiones prácticas y teóricas, recursos actorales y dramatúrgicos, factores técnicos y  estéticos se entrelazan permanentemente, sin otro objetivo que cuestionar las certidumbres y explorar los límites, relativizando los cánones y métodos que a menudo anquilosan el devenir de la teatralidad.

EQUIPO

José Sanchis Sinisterra. Dirección

Intérpretes: Marta Alonso, Ana Bercianos, Tony de la Casa, Paco Díaz Revaliente, Delfín Estévez, Julia González, Acoyani Guzmán, Gabriel Ignacio, Puchi Lagarde, Silpia López-Ortega, Javier Mogán, Estela Montejo, Pedro Morales, José Pertusa, Óscar del Pozo, Juan Carlos Puerta, Eva Redondo, Antonio Sansano, Roberto Santiago y Carmen Soler

 

ATRACTORES EXTRAÑOS

B- Atractores

Apelación a la complejidad en el texto, la actuación y la puesta en escena

Por mucho que se empeñe (y no siempre lo hace), el arte, en general, y el teatro, en particular, no pueden dar cuenta cabal de la complejidad de una simple vida humana. Pero esa debería ser, no obstante, su meta.

Y tal como nos demuestran todos los avatares del llamado “pensamiento complejo”, es solo investigando una teatralidad que se produce en las fronteras entre orden y caos, entre determinismo y aleatoriedad, donde más posibilidades tenemos  de distanciarnos del reductivismo imperante en nuestra escena y de abrir posibles vías para desplegar niveles de complejidad en el texto dramático, en el trabajo actoral y en la puesta en escena. Sin olvidar, claro está, el destino de toda práctica artística, que es la mente -¿y el cuerpo?- de esa instancia colectiva llamada público, delegación aleatoria de la comunidad.

AREAS Y ETAPAS DE TRABAJO DEL LABORATORIO

Sistemas Minimalistas Repetitivos: en la frontera entre figuratividad y abstracción.

Entrenamiento y configuración de un SMR como matriz de la partitura escénica. Selección de textos como tejido de la partitura dramatúrgica.

Articulación progresiva de ambas partituras.

Inserción gradual de códigos plásticos, lumínicos y sonoros.

Exploración del incremento de la complejidad: del máximo orden al mínimo caos.

EQUIPO

Dirección: José Sanchis Sinisterra y Andrea Díaz Reboredo

Intérpretes: Julia González Enríquez, Eli Zapata, Óscar del Pozo, Yubal Brodsky, Antonio Sansano y Raúl Marcos.

 


 

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