LAC·17 Laboratorios Artísticos de Creación II Edición


LAC 17. Laboratorios Artísticos de Creación 2017

 

El objetivo principal de los Laboratorios Artísticos de Creación es promover la investigación en el ámbito de las Artes Escénicas dentro de las salas de LAVAPIÉS BARRIO DE TEATROS. Trabajos que sólo son posibles en el circuito alternativo generando propuestas diferentes a lo institucional y al circuito comercial, promoviendo procesos artísticos arriesgados que necesitan un tiempo y unas condiciones de creación específicas y en los que la experimentación se convierte en la principal vía de trabajo. Además de provocar la reflexión sobre la sociedad actual y los problemas que afectan a los ciudadanos a través del teatro.

Los artistas trabajan sobre diferentes líneas temáticas basadas en la crisis de valores que afecta a la sociedad actual y en cómo se refleja éste problema en la creación escénica del momento.

Los Laboratorios de estrenarán en las salas donde se han gestado permaneciendo programadas durante varios meses.

 

SALAS QUE PARTICIPAN

Mínima Espacio Escénico

El Umbral de Primavera

La Escalera de Jacob

Nuevo Teatro Fronterizo

Centro La Tortuga


 

NUEVO TEATRO FRONTERIZO

– INVESTRO –

“El sueño de Jara”

Creación colectiva. Grupo residente del Nuevo Teatro Fronterizo

INVESTRO es un grupo de investigación plástica y escénica multidisciplinar cuyo principal objetivo es mantener vivo un espacio propio para el pensamiento y la investigación. Convoca a profesionales de diferentes disciplinas artísticas (actores, escritores, artistas plásticos, bailarines, músicos y compositores) para investigar juntos un modo de dramaturgia que parte esencialmente de los elementos plásticos (no vivos) que conforman las artes vivas y espectaculares.

El nuevo proyecto de Investro pretende explorar el particular universo de los sueños, partiendo de los “diarios de sueños” de los miembros del grupo. Con este material se están probando distintas maneras de llevar a escena los recuerdos oníricos del sueño, tratando de encontrar respuestas plásticas, dramatúrgicas e interpretativas al reto que supone plasmar algo tan frágil y volátil.

Al igual que en otros proyectos de Investro se dialoga entre diferentes disciplinas y poéticas, priorizando la búsqueda de imágenes sugerentes, el uso de la luz y la oscuridad, proyectores, el cuerpo del performer/actor, el espacio sonoro.

Paralelamente se lleva a cabo una investigación teórica sobre el tema, desde el punto de vista psicoanalítico, (la interpretación de los sueños), neurológico, (¿por qué soñamos?), antropológico, sociológico, histórico, y de otras artes. Este hecho, tiende un puente de comunicación entre Investro y Onirodrama (ambos laboratorios de investigación en el Ntf).

Algunas de las referencias literarias son Kafka, Perec, Graham Green, el cine de David Lynch y Buñuel, las puestas en escena de Castellucci, Peeping Tom, etc.

Currículo del colectivo

Nuestra metodología y línea investigativa ha ido evolucionando cada año de la mano de nuevos planteamientos y objetivos, tratando siempre de concretar y formalizar un modo de creación grupal que defina una poética propia.

Durante el curso 2013 -14, primer año de vida del colectivo, nuestra línea investigativa se centró en lo que definimos como Coordenadas de la representatividad: luz, sonido, movimiento y presencia abordadas desde sus límites representativos, es decir, desde: la oscuridad, el silencio, la inmovilidad y la ausencia. Límites que configuran, a nuestro parecer, un entorno escénico adecuado para trabajar desde lo sutil, lo translúcido y lo plástico. Así como Tanizaki en su libro Elogio de la sombra nos anunció que solo en la oscuridad y en silencio podríamos llegar a imaginar formas o a vislumbrar monstruos.

Metodológicamente, seleccionamos materiales textuales a partir de los cuales desarrollamos lenguajes no verbales basándonos en construcciones artísticas como lo objetual, lo sonoro, el audiovisual, lo gestual, lo matérico… en un intento de que la imagen sustituyera a la palabra hasta que esta última quedara como huella inscrita en una estructura de cuadros finales.

Fue así como construimos “Famme”, una pieza escénica que se representó en el marco del Festival de Teatro Acción de San Casciano- Florencia (Italia). El planteamiento de esta pieza nació de un cuestionamiento grupal sobre La Exposición Mundial que tendría lugar en Milán en el año 2015 bajo la temática de la Alimentación y el hambre global con fines comerciales y en menor medida humanitarios. Construimos un dispositivo escénico consistente en una instalación a base de luces independientes que, siendo manipuladas por el equipo en escena, conformaban los diferentes espacios escénicos y servían a crear puntos de interés dentro de una dramaturgia fragmentada que nacía desde la oscuridad a modo de imágenes puntuales y simultáneas. Mediante la manipulación objetual cada persona del equipo era técnico y actor, conformando en todo momento desde dentro la logística de la escena.

Durante el curso 2015 Investro participamos en la ópera de cámara “a campo abierto” creada y dirigida por su integrante Andrea Díaz Reboredo; un encargo para el festival Sinergias de opera contemporánea producido por España y Alemania entre Operadehoy y SIEMENS. Trabajamos además con los Ensembles Smash (España) y Alpeh (Alemania).

Para esta ocasión realizamos un trabajo de intervención en todo el espacio interno del teatro (escenario y patio de butacas) convirtiendo al teatro mismo en un dispositivo performativo que a su vez se convirtió en el principal protagonista de la pieza. La obra fue estrenada en Junio de 2015 en los Teatros del Canal de Madrid.

Durante el verano de 2015 Investro fuimos invitados a participar en tres residenciar artísticas localizadas en diferentes zonas de España:

En el mes de Agosto; desarrollamos un trabajo de investigación sobre prácticas artísticas en el medio natural en los Molinos de Santa Lucia (Cádiz). Este mismo trabajo continúo su desarrollo en la Casa de las Artes de Alanís de la Sierra (Sevilla). Ambos, espacios culturales gestionados por el colectivo Arriero.

Entre Septiembre y Octubre de 2015 participamos como grupo residente en La Nave del Duende, en El Casar de Cáceres. Nuestro objetivo fue hacer una síntesis de los materiales y poéticas encontradas por cada uno de los miembros en los últimos meses, y tratar de llevar estos hallazgos y exploraciones al ámbito de un espacio escénico “convencional”, compartiéndolo con el público en una muestra abierta que se realizó el último día de nuestra estancia. El título de pieza fue Perderse. Entre otras intenciones estuvo la de llevar al espectador de forma activa a una verdadera experiencia del espacio, y que el espacio fuera de nuevo el protagonista. Como en otros trabajos de Investro, se hizo un esfuerzo por no priorizar ningún elemento sobre otro, dándole especial importancia a lo plástico y visual, también a lo performativo, así como a la horizontalidad entre el trabajo actoral, el trabajo con objetos, la utilización de proyecciones, audios, luces, y música en directo. La dramaturgia se llevó a cabo durante los días de la residencia, basada en experiencias personales sobre la pérdida y textos teóricos acerca del caminar. Un elemento encontrado al azar, y que finalmente conformó la línea principal de la pieza, fueron las piedras de un muro derruido del pueblo que introdujimos en escena como parte esencial de la escenografía y de la dramaturgia. “(…) El acto de andar, si bien no constituye una construcción física de un espacio, implica una transformación del lugar y de sus significados. Sólo la presencia física del hombre en un espacio no cartografiado, constituye una forma de transformación del paisaje que, aunque no deja señaales tangibles, modifica el significado del espacio y, el espacio en sí mismo. Antes del menhir, la única arquitectura simbólica capaz de modificar el ambiente era el acto de andar (…)”

Durante el curso 2016, Investro realizamos la obra “Derivas” como resultado de una serie de visitas que se llevarán a cabo en el barrio de Lavapiés durante el mes de duración de SURGE MADRID, con el objetivo de recoger materiales diversos (textuales, objetuales, sonoros, visuales…) que dieran cuenta del entorno. Para, posteriormente, reproducir la experiencia de la deriva, en el propio espacio escénico. La aleatoriedad y la asociación determinaron en este trabajo el uso de la palabra, el cuerpo, el sonido y la manipulación de objetos.

Para el nuevo curso 2017 Investro reanuda sus sesiones de investigación en la sede del Nuevo Teatro Fronterizo con el objetivo de llevar a escena el montaje de una pieza teatral manteniendo los principios de investigación en base que ya caracterizan la naturaleza de su propia poética:

– Un discurso plástico que acompañe, rija y resignifique el discurso teatral. Dicho de otro modo, que la experiencia estética sea también una experiencia existencial, cognoscitiva (en cuanto a los mecanismos relacionados con la creación de conocimiento), que modifique la acción y la percepción.

– Un equipo multidisciplinar que reúne a personas provenientes de distintas áreas del pensamiento (filología, filosofía, artes plásticas, escenografía, danza, música… etc) con el objetivo de generar mayor una complejidad en la construcción dramática poniendo en fricción lenguajes, formas y técnicas.

 

Currículos

Andrea Díaz Reboredo, Madrid 1989. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, la Academia de Bellas Artes de Florencia y La Universidad UDLAP de Puebla. Máster en Creación Teatral por la Universidad Carlos III de Madrid. Su formación técnica en fotografía, dibujo, escultura e instalación, evolucionó hacia un lenguaje escénico, entrando definitivamente en el universo del Teatro. Experiencia como directora de escena, escenógrafa y dramaturga de espectáculos propios que investigan la imagen como contenedor de conocimiento y memoria social para crear nuevos diálogos entre obra, espacio y espectador. Actualmente en España es miembro de la Junta Directiva del Nuevo Teatro Fronterizo, Presidenta de la Asociación Lavapiés Barrio de Teatros, miembro del grupo de investigación plástica y escénica INVESTRO así como del colectivo Espacio·Telpa de escenografía (España – Letonia). Documentación visual en: www.andreadiazreboredo.com

Jesús Barranco, Madrid, 1969. Formado con Ángel Gutiérrez (Teatro de Cámara de Madrid). Desde el año 2000 es intérprete en el elenco del Teatro de la Abadía y actor asiduo de los elencos de Andrés Lima (Falstaff -CDN-, El Montaplatos -Animalario- y Los Macbez http://www.losmacbez.es/). Es licenciado en Filología Hispánica y prepara su tesis doctoral en la Universidad Autónoma de Madrid. Es Profesor de actuación y movimiento en las universidades de Alcalá de Henares y Carlos III de Madrid, y en otros centros de entrenamiento actoral independientes. En la actualidad compagina su trabajo como creador en artes vivas en los colectivos Investro, Armadillo (www.colectivoarmadillo.blogspot.com), y con el Ensamble del pastor bobo. Y ha sido uno de los fundadores la compañía Blenamiboá (desde 1994). Formó parte de los proyectos internacionales de investigación: Transatlántico (España-Chile) y Cities-Théâtre du Mouvement (España-Francia).

Heterónimos-performers: primo de saint tropez, fedón www.ophelia.es/fedon y mario castro www.ophelia.es/revistas/

Raúl marcos, Madrid 1976, Licenciado en la RESAD de Madrid. Formado con Jan Klata, Claire Heggen, Bartís, Spregelburd, Rolf Abderhalden, Philipe Asselin, KT Niehoff, SITI Company, Timbre 4, Hernán Gené, Mar Navarro, Simone Forti, Eric de Bont y Federico León entre otros. Como actor ha participado en diversos montajes con actuaciones en festivales nacionales e internacionales. Ha trabajado con Mutis, Impromadrid, Luca Aprea, La casa en el árbol, Rubén Szchmacher, Moro Anghileri, Ay Ay Ay Teatro, Sanchís Sinisterra, Eduardo Vasco, Carlos Marqueríe y Claudia Faci entre otros. Con su colectivo Armadillo ha creado diversas piezas. También ha dirigido y escrito varios espectáculos. Se interesa por el mundo de la performance, la instalación y las distintas expresiones de artes vivas. Es miembro del grupo de investigación multidisciplinar Investro. Actualmente es profesor de teatro gestual en la academia de Victor Ullate.

Eli Zapata, Córdoba 1980. Actriz licenciada en arte dramático en la ESAD de Córdoba. Realiza un master de interpretación en la escuela Arte 4 y participa en el curso anual de la Academia del verso de Alcalá dirigida por Karmele Aramburu y Juan Polanco. Se forma con distintos maestros y directores como Andrés Lima, Benito Zambrano, Jaime Chávarri, Beatriz Peña, y Jose Carlos Plaza con el mantiene un entrenamiento permanente. Ha trabajado para distintas compañías de teatro como La Cantera, Vertebro Teatro, En Crudo o Colectivo Kong. Actualmente es miembro del colectivo Investro donde participa como actriz y donde desarrolla un entrenamiento e investigación escénica. Más información en: www.elizapata.com

Oche Zamora, Córdoba 1977. Licenciado en Filosofía por la Facultad de Filosofía de Sevilla. Ha colaborado en varios proyectos musicales (Ingrediente Gris y Río Muten entre otros). En 2013 escribe en colaboración con el Colectivo Kong de teatro, la obra “Si el mono no canta hay que matarlo”. Actualmente investiga teórica y prácticamente la relación entre el teatro, las artes plásticas, la filosofía y la política con, entre otros, colectivo Investro.

Blanca Paloma, Alicante 1989. Licenciada en Bellas Artes con mención honorífica de la universidad Miguel Hernandez (2012), especializada en escenografía teatral por el Magister a cargo de Miguel de Massip (Universidad Complutense de Madrid). Se formó en la fundación Cefijo donde obtuvo el certificado profesional en proyectos de carpintería y ha trabajado en el taller de Mambo así como con diversas compañías teatrales como escenógrafa y vestuarista. Su inquietud por lenguajes que pongan en fricción las artes plásticas con otras áreas del pensamiento le ha llevado a transitar entre diversas técnicas llegando a expresiones como la instalación y la performance. En su carrera como cantante, ha trabajado con Álvaro Tato y Las arrebatadas.


Grupo de investigación

ONIRODRAMA –

“Onirodrama” es un espacio de investigación abierto y eminentemente vivencial facilitado por los “Onirodramatistas” Alejandra Barbarelli y Miguel Buzeta.

En él, las/los participantes pueden compartir sus sueños y representarlos con técnicas activas de Psicodrama.

Onirodrama es parte de un proyecto más amplio, denominado “Lonja de sueños”, iniciativa del Nuevo Teatro Fronterizo que promueve la investigación multidisciplinar en torno al universo onírico y su relación con las artes (teatro, pintura, cine, música…),  la psicología, la neurociencia, la intervención comunitaria y la sociedad en general.

En Onirodrama compartimos los sueños como una forma de ritual, al igual que siguen haciendo algunas tribus, en el que se genera un espacio donde conectar profundamente con la propia vivencia y la del otro. Un espacio para escuchar y ser escuchados, para compartir de forma generosa  en tiempos donde  lo líquido permea todas nuestras relaciones impulsando nuestros aspectos más individualistas y aislados/as. Si además, le ponemos cuerpo y conectamos con la emoción que nos trae y los pensamientos que nos surgen a nivel individual y grupal, se produce un potente proceso de transformación, que es el que exploramos en este espacio.

¿Qué sueños soñamos en nuestra comunidad? ¿Qué mensajes compartimos? ¿Qué preocupaciones y qué esperanzas? ¿Qué información recuperamos como sociedad al poner el cuerpo a los sueños de los demás? ¿Qué nuevos circuitos surgen en nuestra mente cuando por un momento dejamos de lado el lenguaje de la lógica cotidiana y nos entregamos al mundo surrealista de los sueños? ¿Qué “insights” individuales y grupales se nos revelan? ¿Qué vínculos se crean entre los participantes cuando logramos conectar entre nosotros desde un nuevo lugar, el del lenguaje onírico?

Estas y otras tantas preguntas son las que exploramos en este espacio de investigación, en un camino que no está trazado, sino que va tomando forma con los participantes y va tomando distintas formas en el diálogo entre el psicodrama, el teatro, la dramaturgia y toda expresión de arte que se haga presente en este espacio grupal.

Facilitadores – Los  Onirodramatistas

Miguel Buzeta

Diplomado en Trabajo Social por la Escuela Universitaria de Trabajo. Social de la Universidad Complutense de Madrid. Diplomado en Educación Social por el Colegio Oficial de Educadoras y Educadores Sociales de Navarra. Psicodramatista por el Instituto de Técnicas de Grupo y Psicodrama (ITGP). Amplia experiencia profesional en el ámbito social, organizacional y grupal.

Alejandra Barbarelli

Psicodramatista por la Sociedad Argentina de Psicodrama y especializada en Psicodrama pedagógico en el Instituto Moreno (Buenos Aires). Directora de Teatro Espontáneo, formada con Marilén Garavelli, dirige hace siete años la Compañía de Teatro Impronta (www.improntateatro.com). Cursó estudios de Dirección teatral en Escena Contemporánea con Marcelo Diaz en Cuarta Pared  y con Stephen Baily (Técnicas de Meisner). Formada como Moderadora de Teatro Foro con Moisés Mato en Teatro de la Escucha. Coach formada en LLC y Axialent. Licenciada en Ciencias Económicas, cuenta con un MBA con especialización en Recursos Humanos (Universidad del Salvador –State University of New York). Desde hace más de 15 años coordina grupos de aprendizaje,  programas de Mentoring, espacios de reflexión y de coaching grupal en ámbitos educativos, sociales y empresariales en Latinoamérica y Europa.


MÍNIMA ESPACIO ESCÉNICO

– MATRIOSKA –

Autor: Gabriel Fuentes | Dirección: Óscar Pastor | Movimiento escénico: Xus de la Cruz | Música original: Pablo Cediel | Vestuario: Rocío Glez | Imagen y audiovisual: José Requera | Intérpretes: Manuela Morales, José Juan Sevilla, Charo Gabella, Elena Rey, Macarena Calvo, Violeta Guindal, Dolores Cardona.

 

Este laboratorio escénico parte del texto dramático de Gabriel Fuentes, MATRIOSKA, II Premio del II Certamen de nuevos dramaturgos LANAU escénica.

MATRIOSKA expone la realidad de la Esclavitud sexual, concretamente la Trata de mujeres con fines sexuales, a través de una historia concreta donde se vislumbran los mecanismos universales de captación de las víctimas.

La esclavitud es una dura realidad para millones de personas en el mundo que se encuentran atrapadas en un sistema de explotación y abuso, compradas y vendidas como objetos, y tratadas sin dignidad ni decencia humana. Realidad que prolifera a una velocidad alarmante, donde el 80% de las víctimas de tráfico humano son mujeres y niñas, de las cuales el 90% acaban siendo esclavas sexuales.

Lamentablemente, esta práctica degradante es la actividad ilegal más lucrativa después del tráfico de drogas y de armas. Gran número de traficantes se decantan por la trata de mujeres ya que su explotación sexual garantiza a corto plazo mayores ingresos.

La acción para terminar con el tráfico sexual empieza con entender qué es y por qué sucede. La deshumanización que ha provocado la crisis de valores ha generado hábitos y prácticas de sometimiento y abusos en todas las esferas sociales. La humillación se ha convertido en algo cotidiano, el abuso de poder se ha extendido hasta alcanzar la crueldad. Las desigualdades agravan estas prácticas, convirtiendo a las mujeres en víctimas de los hombres. Las necesidades económicas someten a estas víctimas ante el explotador, hasta perder su libertad e incluso la vida.

La feminización de la pobreza y la constante demanda de los consumidores de sexo a cambio de dinero sustentan las redes y mafias de traficantes de esclavas sexuales. La mayoría de las mujeres de países en vías de desarrollo se ven abocadas a la prostitución, a través del engaño y posterior explotación. Erradicar dicho problema no es únicamente responsabilidad de las autoridades, la sociedad debe concienciarse de la existencia de dicha esclavitud, debe evitar el estigma y la culpa que sufren las víctimas de estos delitos, defender sus derechos humanos y adoptar soluciones a todos los niveles.

La verdad de estas mujeres esclavas sexuales la desconocemos, se venden en las  calles que transitamos y las reconocemos, pero  sus historias nos parecen lejanas, ignoramos su invisibilidad y acatamos su desgracia con nuestra pasividad. No hablamos únicamente de prostitución, sino de desigualdades por razones de género, de la violencia heredada, el maltrato generalizado y la pérdida de la libertad.

MATRIOSKA nos sumerge en el terrible mundo de la esclavitud sexual, donde las mujeres son víctimas de su destino. Una realidad cíclica donde las mujeres esperan resignadas ser sometidas por el hombre, donde la falta de esperanza las convierte en sus propias enemigas. El autor nos enfrenta a la tragedia de la esclavitud sexual desde tres generaciones de mujeres que sufren diferentes momentos del inevitable camino de destrucción de una esclava sexual.

La brutal realidad de la esclavitud sexual y el incremento de prostitutas que alberga nuestro país, uno de los principales destinos de explotación sexual en Europa, nos empuja a asumir la responsabilidad y concienciar de dicha realidad a través de la escena.

El proceso parte del texto dramático Matrioska, cuya estructura remarca la fábula y sumerge al lector en una realidad donde la poética subraya la tragedia que viven sus protagonistas.

Gabriel Fuentes consigue adentrarte en el repugnante mundo de la esclavitud sexual y sus mafias con una inesperada delicadeza, con la emotividad de sus metáforas, con la belleza de la palabra y su poética. Contraste que sirvió de arranque al trabajo de investigación:

Antes de adentrarnos en la cruda realidad de la esclavitud sexual teníamos que recurrir a sus causas. Allí encontramos las capas que iniciarían nuestro trabajo.

Partimos de los cánones de igualdad para descubrir la verdadera desigualdad entre hombres y mujeres, premisas que acontecen desde siglos inmemoriales, hechos que se traducen en actos violentos y humillantes, patrones que persiguen a las mujeres de generación en generación, actos que alimentan a sus verdugos hasta el punto de la comercialización. El abuso de poder sin escrúpulos con la única finalidad de enriquecerse a costa de las mujeres atravesando los límites de la esclavitud.

Proceso creativo.

El trabajo parte de la abstracción de los conceptos conseguidos con el análisis de las causas y aquellos que nos aporta el texto, para ello utilizamos varios lenguajes escénicos:

El lenguaje corporal llevado a la máxima expresión incluyendo la danza. El lenguaje vocal oscilando entre la voz hablada y cantada.

El lenguaje musical que surge a través del cuerpo y la voz y se traduce en una partitura orquestada.

Iniciamos un trabajo coral con mayor número de actores y actrices que los personajes escritos, con la finalidad de universalizar la historia a contar, combinando los diferentes lenguajes y sus trabajos para aterrizar en las palabras del autor.

La propuesta escénica combina la abstracción de la metáfora que nos ofrece el texto con la cruda realidad que nos rodea y podemos encontrar en nuestras calles.

El autor. Gabriel Fuentes.

Palabras del autor…

Matrioska surge de la investigación en la tragedia como género y su vigencia en la actualidad. Esta búsqueda explora el lenguaje dramático y sus límites con la poesía.

Nos adentramos en una fábula eslava que nos habla de la violencia soportada por las  mujeres.  Sus  cuerpos  como los receptores de la brutalidad y el abuso del hombre. Sus cuerpos son explotados hasta quebrarse. Despedazados para el placer ajeno.

Ellas, Nadja, Katja y Rodica, conviven con dioses, fantasmas, lobos y hombres. Aunque el hombre, en la obra, aparece como una deformación del ser humano. Un hombre sin escrúpulos para satisfacer su ambición de riqueza y poder. Ellas son despojadas de su voluntad y ofrecidas para ser devoradas, una y otra vez, por otros hombres. Los personajes luchan por sobrevivir aunque ello implique descargar la violencia acumulada sobre el más débil. Son terriblemente inocentes y, a la vez, despiadadamente crueles.

Nos encontramos frente a uno de los mayores horrores a los que puede enfrentarse cualquier ser humano. Matrioska nos hace reflexionar acerca de la situación de millones de mujeres en todo el mundo hoy día, que son esclavizadas para satisfacer a un ejército de depredadores.

Esta tragedia contemporánea pretende sacudir al espectador a través de un texto de una belleza despiadada, queriendo contribuir humildemente a generar un debate en torno a esta lacra social que amenaza con no desaparecer nunca.

 

Equipo creativo.

Óscar Pastor. Director.

Licenciado en Arte Dramático por la ESAD (Valencia). Licenciado en Teoría de la literatura y literatura comparada por la UCM (Madrid). Graduado en Trabajo Social por la UCM (Madrid). Técnica Meisner con Javier Galitó-Cava. Verso con Pedro Mª Sánchez y Luisa Armenteros. Máscara Neutra con Bertí Tobías – Técnica Jacques Lecoq entre otras formaciones en Artes Escénicas. Compagina su faceta de actor con la escritura dramática y la dirección escénica, donde destacan sus interpretaciones en “JALEO” adaptación del texto “PASO DOBLE” de Gabriela Fiore, dirección Sergio Caballero con Dramaturgia 2000.“POLLO e HIJOS” de Bruno Chapelle, dirección Juanjo Prats con Germinal producciones. “INFINITIES”. dirección Luca Ronconi y V. Genovés. Coproducción Teatro Piccolo de Milán – Teatres de la Generalitat Valenciana. “VICTIMAS DEL DEBER” de E. Ionesco, dirección Toni Misó con ESAC donde es Nominado a mejor Actor por Teatres Generalitat Valenciana. En televisión destaca su interpretación en la serie de ficción “L’Alquería Blanca” para Canal 9 (RTVV) con el personaje “Sento” (2007-08-09-10-11-12). En cine destacan sus trabajos en largometrajes como “BENIDORM. Mon amour“, “CARNE CRUDA”, “UN

 

AÑO Y UN DÍA”, “LA REUNIÓN” y “BELCEBÚ” donde es Nominado a Mejor actor de reparto en los Premios Tirant de Cine Valenciano. Es autor de textos dramáticos como “El amor es un invento patentado”, “Hijos de puta”, “El vuelo del ahorcado”, “El cuarto inocente”, “Dolores Puta Crisis” y “S.L. (sociedad limitada)” entre otros. Como director de escena destacar sus trabajos en “El hombre de la cama mira hacia el perchero” de Antonia Gomis para el TATWERK – Performative Forschung en Berlín, “El cuarto inocente” para Save the children con gira en Colombia, “Hijos de puta”, “El vuelo del ahorcado”,“S.L. (sociedad limitada)”, ”Caballo negro sobre fondo negro” de Francisco Javier Suárez Lema (I premio de nuevos dramaturgos LANAU escénica 2015) y “La taza rota” de Carlos Izquierdo (III premio de nuevos dramaturgos LANAU escénica 2015) entre otros montajes teatrales y performances. Actualmente es co-fundador y programador en Mínima espacio escénico no convencional y Gestor Cultural en LANAU espacio creativo.

Xus de la Cruz. Movimiento escénico.

Titulada por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid en la especialidad de Dramaturgia y Dirección Escénica. Además finalizó sus estudios en Interpretación en la Escuela de Teatro La Lavandería con Laila Ripoll, en el Teatro de la Danza con Amelia Ochandiano y en la Escuela de Teatro del Gesto de Mª del Mar Navarro. Realiza estudios de Danza Clásica en la Royal Academy of Dancing de Londres bajo la tutela de Arcadio Carbonell. Así mismo, se forma en Danza Contemporánea con Mónica Valenciano. Funda su propia compañía junto a Miguel Morillo y Félix Estaire, Teatro de Acción Candente. Realiza el movimiento escénico y la ayudantía de dirección de Rapsodia para un hombre alto de Félix Estaire para el Centro Dramático Nacional. Estrena como directora Cortado al azar y como autora Mala espina, Clin, Clin, caja, Auto-indefinido, Ejecución, Greguería: un instante que resiste y Achaques. Publica con la Diputación provincial de Guadalajara Don quijote en monigote. Texto pedagógico y experiencia teatral, La tejera negra (Tragedia en sol sostenido.) con la editorial Fundamentos y Señor me has mirado a los ojos en la revista digital Teatro Mínimo. Actualmente compagina las necesidades y producción de su compañía con su trabajo de profesora Titular de Expresión corporal e

Interpretación en la EMAD (Escuela Municipal de Arte Dramático de Madrid.) Y realiza un máster de estudios feministas en la Universidad Complutense de Madrid.

Pablo Cediel. Compositor músical.

Rocío Glez. Figurinista.

Jose Reguera. Imagen y audiovisual.

Intérpretes: Manuela Morales, José Juan Sevilla, Charo Gabella, Elena Rey, Macarena Calvo, Violeta Guindal, Dolores Cardona.


EL UMBRAL DE PRIMAVERA

– F.O.M.O. –

Colectivo FANGO

Dramaturgia: Sergio Martínez Vila | Dirección: Camilo Vásquez | Intérpretes: Ángela Boix, Fabia Castro, Trigo Gómez, Rafuska Marks (Rafaella Marques), Manuela Minaya | Creación técnica: Juan Miguel Alcarria.

 

El Colectivo

Somos un colectivo de personas en plena búsqueda de identidad humana y artística. Con la sociedad digital surge un nuevo paradigma social y con él la pregunta de quiénes somos ahora, a dónde pertenecemos y cuál es nuesra postura frente a él. Creemos que el hecho artístico surge después de hacernos estas preguntas.

Para nosotros, esta búsqueda es un arma política en sí misma; una búsqueda paciente y sin resultados cómodos. Una forma de conexión con la realidad y de resistencia contra la inmediatez y la compulsividad del mundo en que vivimos. Y también porque reconocernos en esta búsqueda de lo que somos nos libera y da esperanza.

Manifiesto artístico

  1. Crear un espacio de investigación artística.
  2. Ser receptivos a lo que está pasando en el mundo.
  3. Ser honestos en la búsqueda.
  4. Trabajar con serenidad.
  5. Estar comprometidos.
  6. Habitar el presente.
  7. Generar pensamiento crítico.
  8. Cuidarnos y respetarnos.

El Laboratorio

Comenzamos en marzo del 2016 a trabajar juntos tomando como punto de partida la manipulación mediática. Tras meses de trabajo profundizando en esta temática, nos aproximamos al trabajo desde dos prismas: la reflexión teórica a partir de noticias, fenómenos sociológicos, ideas y opiniones y por otro desde la elaboración de propuestas de carácter escénico. Con ello nos fue interesando la cuestión de la responsabilidad personal que cada uno tenemos a la hora de consumir y crear información.

En esta línea de trabajo descubrimos que la neurosis y la ansiedad eran puntos recurrentes en los ensayos y de una forma natural surge el FOMO (fear of missing out) como la principal línea temática que en estos momentos inspira y guía nuestra investigación artística.

FOMO

Fomo es el acrónimo de la frase en inglés: fear of missing out. Se define como el miedo a perderse algo o a quedar excluido. Esta fobia, profundamente ligada al mundo digital y a la hiperconectividad, afecta a la gran mayoría de la población adulta en los países desarrollados.

FOMO evidencia una crisis de confianza como seres humanos y nos obliga a observar los nuevos modelos de comunicación de la sociedad digital.

Sobre el proceso de dramaturgia

El ‘fango’ del que surge FOMO, y en el que sigue hundiéndose semana a semana, ha resultado ser particularmente fértil para la reflexión, pero sobre todo para la reflexión honesta, esa que sorprende porque duele, y que duele porque nos representa.

El hecho de que los integrantes de este colectivo hayan trabajado sin presiones de tiempo o de obtención de unos resultados concretos, sólo por la necesidad y por el placer de mirar, de mirarse, ha dotado de hondura y fuerza a este acto de pura búsqueda.

El resultado son unas dramaturgias brillantísimas, que hieren en su inmediatez y en su lucidez, y con las que no me planteo tanto una ‘intervención’ desde fuera sino un juego desde dentro, una nueva búsqueda de correspondencias entre las distintas escenas y contextos imaginados por los intérpretes, una re-escritura que pueda aportar otros relieves al tiempo que potencie la frescura del hallazgo original.

El objetivo no será más que el de preguntarnos qué es eso de la exclusión y del desarraigo de uno mismo, qué es eso de estar vivo en unos tiempos tan rápidos y tan desafiantes como los actuales.

 

Por qué en el Umbral de primavera

Conocí El Umbral de Primavera gracias a Verónica Doynel, gestora cultural y colaboradora habitual del teatro. Ésta  me invitó a una de las tertulias que tenían lugar en el espacio,  donde se reunían figuras relevantes del panorama teatral madrileño. Así conocí a Viviana Doynel; la directora, que me habló apasionadamente del Umbral y me abrió las  puertas  de la sala de cara a futuros proyectos. Dos  años más tarde, tras fundar el colectivo artístico FANGO, solicito la residencia en El Umbral de Primavera y presento nuestra propuesta de investigación FOMO (fear of missing out).

Desde el colectivo FANGO creemos que el espacio de trabajo es un  núcleo fundamental en el proceso de creación. El Umbral de Primavera, además de ser  multifuncional y flexible, sobre todo es coherente. Coherente en su discurso, en su programación, en su lucha.

Apostamos por un espacio afín que no sólo nos apoye, sino que nos acompañe en la búsqueda, que arriesgue y que comparta nuestra posición política y artística.


LA ESCALERA DE JACOB

– MENGUADA LA HORA –

Compañía UN REGINO POR TEATRO

Texto: Rómulo Gallegos | Adaptación: César Rojas | Dirección: Kelvin Herrera | Intérpretes: Ángela Sancho, Ainara Arizu.

El proyecto

Los jóvenes proponentes de este proyecto escénico hemos decidido explorar un texto original del célebre escritor latinoamericano Rómulo Gallegos, con dramaturgia de César Rojas: MENGUADA LA HORA; una contundente y lúdica escritura teatral abalada por distintos premios y montajes internacionales.

Esta obra contemporánea tiene como protagonista a la mujer, pues es la historia de Amelia y Enriqueta, dos mujeres confinadas en una casa cercada por la represión social y moral.

El dramaturgo, César Rojas, resalta la aportación ideológica y social de su texto: “se expone una enseñanza en la cual observamos cómo las reglas y leyes creadas para defender y hacer más justas las condiciones de vida del hombre y su colectividad, al ser llevadas a su lógica extrema, sin ningún rasgo de humanidad, pueden convertirse en terribles trampas que dañan al mismo hombre que las creó sumiéndolo en la soledad”.

En este sentido, nos parece de gran interés actual revisar escénicamente lo concerniente a lo delicado de la radicalización de ciertas ideas o creencias. Amelia y Enriqueta son el constructo de una sociedad; ellas a su vez, asumen y ejecutan lo que les viene dado del pasado.

Desde el punto de vista artístico la obra aporta gran contenido poético en sus diálogos y soliloquios, además plantea saltos temporales interesantes que pretenden tener en alerta al espectador. Respecto a la encarnación de los personajes por parte de las jóvenes actrices Ángela Sancho y Ainara Arizu, implica un desafío actoral, pues estamos antes dos personajes dramatúrgicamente bien delineados y potenciados.

César Rojas expresa que revisar un texto como Menguada la hora puede ser de interés institucional: “esperamos que cada vez más espectadores tengan la oportunidad de entrar en contacto con los clásicos de la cultura universal de una manera amena, coloquial, sencilla y práctica, que conozcan los textos magistrales del escenario mundial mientras se crea en ellos la sensibilidad y el gusto ante el hecho cultural y las herramientas que contribuyan a mejorar su calidad de vida, su desarrollo cultural y la capacidad de integrarse a los proyectos de su comunidad”.

La compañía

La Compañía Un Reino por Teatro es un recién conformado espacio para la creación escénica integrado por artistas buscadores e inquietos de diferentes edades y que provienen de distintas escuelas de artes escénicas de Madrid. Este proyecto es coordinado por el joven profesor universitario Kelvin Herrera, quien ha desarrollado labor docente, interpretativa y de dirección durante más de una década.

El director. Kelvin Herrera

Profesor Universitario de Lengua y Literatura, Formación Actoral Completa en el Laboratorio de Teatro William Layton. En 14 años ha desarrollado una intensa carrera teatral como director, actor, productor y docente. Como actor ha representado a Venezuela en el IX Encuentro del arte y la cultura del MERCOSUR Teatro 2008 en la provincia de Misiones-Argentina. Ex-Director de la agrupación de Teatro del Instituto Universitario Politécnico Santiago Mariño-Maturín, Ex-Director del Teatro Universitario de la Universidad Pedagógica Experimental Libertador-Maturín, Ex–Director del Teatro de la Red de Bibliotecas e Información del estado Monagas –REDBIM, presidente y director de la Fundación Vibraescena. Ex – Director Teatral para actividades puntuales del Ministerio de la Cultura de Venezuela

Como director ha llevado a escena el montaje Seguro bajo las aguas (2007) basada en textos de Calderón de la Barca, Shakespeare, textos de su propia autoría y otros más. Dirigió y adaptó la tragedia de corte clásico de Arturo Uslar Pietri Chúo Gil (2008), de igual forma llevó a las tablas el monólogo La graduación de Juan Ruedi (2008), también dirigió y realizó el trabajo dramatúrgico del espectáculo Cartas de Amor (2009), trabajo experimental basado en el las más hermosas cartas entre Manuela Sáenz y Simón Bolívar, El Libertador. Director y adaptador de la obra Paula (2010) de la chilena Isabel Allende, director del montaje Experimento Padrón (2010) trabajo de investigación escénica y actoral basada en los textos del reconocido autor monaguense Julián Padrón, actor y director del montaje El Regreso (2010), monologo extraído de la pieza Desiertos del Paraíso de Néstor Caballero, director de los montajes infantiles Miguel Vicente Pata Caliente (2011) original de Orlando Araujo y texto para teatro Robert Thompson, Filipo, el niño de la cabeza puntiaguda (2011) de Roblan Piñero, director del montaje La rebelión de los muñecos (2013) de José Lira Sosa. Lo último que ha llevado a escena, en Madrid y Segovia, es La soga (2015) propuesta contemporánea estructurada a partir de los textos de Patrick Hamilton y Alfred Hitchcock en colaboración con el Laboratorio de Teatro William Layton.

Las intérpretes

Ángela Sancho. Estudiante de Interpretación en el Laboratorio de Teatro William Layton, Premio Buero Vallejo Mejor Actriz 2015 por Mujer Alta de la obra Animales Nocturnos de Juan Mayorga. Perteneció a las compañías teatrales Escenario Vacío y La Trotona Teatro. Tiene estudios de canto lírico y danza-teatro.

Ainara Arizu. Estudiante de Interpretación en el Laboratorio de William Layton, recibiendo clases con profesores como Begoña Valle, Juan Vinuesa, Carmen Losa, Ana Bettschen, Chelo García, entre otros. Estudió en la Escuela de Teatro Butaca 78, tiene experiencia ante la cámara.


CENTRO LA TORTUGA

– DIANAS TEATRO –

Dramaturgia: Colectiva (Dianas Teatro) | Dirección: Colectiva (Dianas Teatro) | Dianas Teatro son: Esmeralda R. Vaquero, Raquel Verdugo Matesanz, Vanesa Camarda y Ana López

 En el CCIC La Tortuga tenemos el gusto de presentar a Dianas Teatro, la joven compañía que está realizando una residencia en nuestro centro dentro del marco de los LAC-17 que promueve la red de teatros de Lavapiés.

Dianas Teatro nace en el 2015 con el propósito de trabajar e investigar desde el teatro el género, la discriminación y la violencia machista. Así, cuatro actrices, escritoras, activistas, creadoras y profesoras, comienzan a ensayar.

Movidas por esta inquietud, se lanzan en el 2017 a un nuevo proyecto que se centra en la lectura social y personal de la mujer: ¿qué entendemos por “mujer”?, ¿porqué se nos denomina “mujer” y no otra cosa? ¿qué cambia en una misma el ser leída como “mujer” o cómo otra cosa?

Buscando en la puesta en escena conectar este conflicto con un lenguaje poético, revisitan obras teatrales de autores tan grandes como Bertolt Brecht, para usar sus textos y personajes como guías.

Con el propósito de realizar un montaje teatral con estas premisas, actualmente realizan una residencia en el CCIC La Tortuga.

Trayectoria

 Dianas Teatro nace a raíz de un encuentro en los escenarios por parte de Ana López, Esmeralda R. Vaquero, Vanesa Camarda y Raquel Verdugo Matesanz, junto a otras compañeras del Grupo de Teatro de las y los Oprimidos ‘La Trinchera’, con quienes trabajamos problemáticas sociales empleando como herramienta el teatro del oprimido.

Actualmente nos encontramos realizando obras teatrales, talleres educacionales, jornadas y debates, con todo tipo de público.

Después de una temporada representando obras de creación propia en espacios culturales de Madrid, decidimos centrarnos en el ámbito educativo y trabajar un tema tan transversal en nuestra sociedad como son las diferencias de género. De este interés común por parte de cuatro personas vinculadas durante años con el feminismo y con el teatro es de donde surge el presente proyecto.

Dianas Teatro tiene la intención de llegar al mayor número de personas, para contribuir al cambio en la sociedad de la situación de inferioridad de la mujer respecto al hombre, que se traduce en situaciones que vemos día a día, como por ejemplo mayor nivel de paro femenino, salarios más bajos para mujeres, o su máximo exponente, la violencia de género.

Movidas por esta inquietud, se lanzan en el 2017 a un nuevo proyecto que se centra en la lectura social y personal de la mujer: ¿qué entendemos por “mujer”?, ¿porqué se nos denomina “mujer” y no otra cosa? ¿qué cambia en una misma el ser leída como “mujer” o cómo otra cosa?

Con el propósito de realizar un montaje teatral con estas premisas, actualmente realizan una residencia en el CCIC La Tortuga.

Currículums

Esmeralda R. Vaquero

Periodista (Universidad Carlos III) y Posgrador en Cooperación Internacional para el Desarrollo (Universidad de Extremadura).

Se ha especializado en el ámbito social y de igualdad, elaborando reportajes sociales, con perspectiva de género, trabajando con colectivos de mujeres (Red de Mujeres Munícipes del Paraguay, Mujeres Imperfectas) o con personas con discapacidad. Se ha formado en Sensibilización en Igualdad de Oportunidades y Trata de Mujeres con fines de explotación sexual, a través de distintos cursos, talleres, intercambios de experiencias (Instituto de la Mujer, Malvaluna, Asociación de Derechos Humanos de Extremadura, Instituto de la Juventud).

Lleva años vinculada en el aprendizaje de distintas técnicas teatrales (Espacios de Creación Joven, CEAT ­Paraguay o Ateneo Nosaltres, entre otros). En 2013 se adentra en el teatro de las personas oprimidas.

Raquel Verdugo Matesanz

Trabajadora Social (Universidad Complutense de Madrid) y Actriz (Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León).

Ha trabajado desde el 2007 tanto en Castilla y León como en Madrid con diferentes grupos sociales, desde Tercera Edad hasta Niños, compaginando ambas profesiones. En los escenarios trata el tema de género en su montaje teatral “La Mujer Que Espera”.

Recientemente, amplía su formación en diferentes direcciones, desde estudios de danza y circo, hasta teatro documental.

Vanesa Camarda

Actriz y Profesora de Teatro y Teatro social.

Estudia teatro en el CEIT (Centro de estudios e investigación teatral) de Mar del Plata, Teatro como forma de Intervención Social en el Forn de Teatre Pa’tothom. Participa del III y IV Encuentro de Teatro y Educación en Barcelona. Durante dos años dicta clases para jóvenes del Casal de Infants del Raval en el Forn de Teatre Pa’thotom.

Participa en el taller de Teatro del Oprimido dictado por Sanjoy Ganguly (Jana Sanskriti) en Calcuta. En el mes de octubre del 2008 participa del Intercambio Internacional en el CTO Río, dirigido por Augusto Boal. El proyecto contempla también talleres en el Centro Penitenciario Modulo 44 de Batán, en Centros Culturales, Facultad de Psicología de M.D.P y Facultad de Artes Escénicas de Tandil. Desde el año 2010 dicta talleres de Teatro de l@s Oprimid@s e Iniciación al teatro en diferentes espacios de Madrid: Espacio en Blanco, Nosaltres y actualmente, en el CCICT La Tortuga (espacio del que forma parte).

Ana López

Comunicadora audiovisual (Universidad Rey Juan Carlos) y Postgrado en Cultura de la Paz, Cohesión Social y Diálogo Intercultural (Universidad de Barcelona)

Experta en intervención social para el empoderamiento de mujeres con grupo en el Instituto de la mujer y el Centro de Derechos de la mujer de Chiapas, ambos en México.

Participa en Globea, una iniciativa de educación no formal infantil.

El teatro está presente en toda su vida de forma activa y desde 2013 se orientó al teatro social.